GFX100S: Hair of Power and Grace x ミンディ・タン

MORE THAN FULL FRAME: リセット、そして再発見

私が自分で髪を切り始めたのは、2020年4月のロックダウンが始まってからです。世界は緊張感に包まれていました。仕事はキャンセルされ、人々は家を出るのを恐れていました。美容サロンのようなビジネスはもちろん、Covid-19の蔓延を恐れて閉鎖されました。

最初は、数センチ髪を切るだけ。それから、私はもっと大胆に、より我慢できなりました。ストレスを感じたり、退屈したりするたびに、1センチずつ髪を切りました。やがて、肩の下に落ちていた長い髪が、うなじのあたりまで来るようになりました。体が軽くなりました。まるで世界のもつれを断ち切ったかのように。癒しの時間でした。

9月、ルールが緩み、髪が乱れていた頃、私は友人のChesterが営むサロンに行って手直しをしました。コラボレーションのアイデアが浮かんだのは、そのヘアカットの時でした。彼は、日々のカット予約に留まらず、芸術的なプロジェクトに参加したいと考えていました。一方の私は、自分の心の状態を反映した、禅的で静かな映画のキュレーションと監督に挑戦したいと考えていました。しかし、最初の話が具体的になることはなく、熱も冷めてしまったので、アイディアが結実することはありませんでした。
チャンスが訪れたのは数ヵ月後、富士フイルムとのGFX100Sプロジェクトの企画です。私は以前描いたアイディアを提案しました。

写真に込められたコンセプトや意図が、最終的な写真がもつトーンのガイドラインとなります。意図があるからこそ、どう撮るべきかという技術的な問題が緩和され、なぜそう撮るのかということに焦点が当てられるのです。

写真がうまくなるための出発点は、「Why」と「How」に答えながら、自分の意図を研ぎ澄ますことです。

「髪の毛ってそんなに面白いの？」と数人の友人に聞かれました。
富士フイルムと「More than full frame 」というテーマで企画を練り、今回のプロジェクトに至りました。

私の頭の中では、「More than full frame」は感覚的なものです。画素数でもなく、髪の毛でもなく、大きな枠組みを飛び越えた（フルフレーム以上の）女性たちの勝利を表現しました。彼女たちは人生よりも大きな存在でした。

Jade、Jasmine、Chomarは、髪型よりも個性を重視して選ばれました。

Jadeは、私がInstagramでフォローしているインテリアデザイナーです。彼女の近況報告を通じて彼女は何度も髪型を変えてきて、実験とトラウマの時期を過ごしていることは知っていました。彼女が自分の話を喜んでしてくれるだろうと推測しました。私たちは見知らぬ者同士でしたが、私は彼女にメッセージを送り、繋がりました。

Jasmineは、以前、広告のモデルとして少しだけ撮影したことがあります。彼女のことは何も知らなかったのですが、撮影のためにスタジオに来た彼女はとても印象的でした。それは、彼女の身のこなしでした。この企画のために会ったとき、彼女は頭を剃りたいと思っていて、それはカメラで撮影するには絶好の機会だと言っていました。こんなに大胆なアイデアを提案してくれる人がいるとは思っていませんでしたし、このプロジェクトへの素晴らしい贈り物になりました。

ChomarはChesterに髪を切ってもらっています。彼によると、彼女の髪はとても密度が高く、大きなシルエットのスタイリングが可能だそうです。視覚的にも期待が膨らみました。日曜日にChomarの自宅にお邪魔して、Chomarが飼っているペットの鳥、Peachesに会いました。調べてみると、Peachesは彼女の髪の毛の中に隠れるのが好きなようです。なんて素敵なシーンなんだろうと思いました。

あえて言えば、3人の女性はそれぞれ個性的なストーリーを持っています。3人の女性にはそれぞれ個性があり、物語があります。お互いに異なる個性を持ち、それぞれ歩んできた人生も異なります。しかし、彼女たちの「髪」について物語を聞いていると、彼女たちは同じような人生のシナリオに直面していて、それぞれが自分自身をリセットし、再発見し、調整しようとしていることがわかります。

ストリートフォトグラファーをストリートから切り離すことはできても、フォトグラファーをストリートから切り離すことはできません。私のショートフィルム制作のアプローチは、ストリート写真を撮るようなものです。シーンの中の興味深い要素をすべて集めて、1つのフレームに合成します。

この構想段階で、Chomarのペットの鳥、Jasmineの剃った頭、Jadeのホームオフィスやスタイルなど、多くの要素に出会いました。私はこれらの驚きを自分の強みにして、全てを映像に繋ぎ合わせたいと思いました。

しかし、ストリートフォトは数秒で完成しますが、映像の場合はもっと時間がかかります。

物語には方向性がありますが、横から見ても、あらゆる角度から見ても柔軟に対応できるものでなければなりません。

コレボレーションと撮影クルー

 撮影クルーのZechary Guay氏（広角＆ムーブメント撮影）とXフォトグラファーのDerrick Ong氏（クローズアップ＆スローモーション撮影）は、FUJIFILM X-T4のフィルムシミュレーション「Eterna」を使用しました。GFX100Sでは、写真撮影とビデオ撮影（撮って出し撮影）の両方で、Film Simulation「Nostalgic Neg.」を使用しました。動画と静止画の切り替えスイッチとIBISは、静止画と動画を切り替える際にジンバルを使わずにGFX100Sを手で持ち続けることができるという魅力がありました。

ポストプロダクションでは、X-T4のEternaの色と、GFX100SのNostalgic Negの暖かい色合いを合わせてみました。私たち3人は、色温度をできる限り調和させました。

Chesterはスタイリストとヘアディレクターを担当しています。他のアーティストの写真を参考にしたり、お互いにアイデアを出し合ったりしました。

ムードボードは、私のアイデアをチームに伝え、全員が同じビジョンを持てるようにするために重要でした。カメラの動き、フレーミング、ライティング、スローモーションなどの具体的な指示を出しましたが、どれも鮮明なアイデアで、言葉やスケッチ、他の写真などを使って説明するのが課題でした。それはまるで、水から形を生み出すようなものでした。

プリプロダクションの最後の課題は、スタッフやタレントの都合と富士フイルムの納期に合わせて、撮影スケジュールを組むことでした。

また、屋内での撮影にもかかわらず、天候にも対応しなければなりませんでした。例えば、毎日の熱帯低気圧と大きな雷のために、Jasmineのインタビューを彼女の自宅で収録することができず、中断しなければなりませんでした。

このプロジェクトは5週間で完成しましたが、そのうちの半分は編集に費やされました。私にとっては最も難しい作業で、ここで流動的なアイデアが順番に組み立てられていくからです。多くのことを記録しました。すべてを使うことはできませんでした。この流れは、視聴者がコンテンツやストーリーを吸収する上で大きな役割を果たします。1週間かけて編集した最初のカットは30分を超えていました。最終的には13分に短縮されています。

写真家としては、単に写真を撮るだけではなく、より深みのある写真を制作するためのプロセスを感じました。パン屋さんが材料を吟味して、時間をかけて混ぜ合わせるように。

「Nostalgic Neg」に見る「ニューカラー」について

私は、富士フイルムの新しいFilm Simulation「Nostalgic Neg」を理解しようと、まず1970年代初頭アメリカで台頭したニューカラーについての研究を始めました。

この新しいFilm Simulationは、特にオレンジとイエローの色調に温かみのある輝きと振動を与え、肌を表現するのに適しています。このカラーパレットと高画素センサーの繊細さとの組み合わせが気に入っています。飽和感がありながら、パステル調ではないソフトな写真に仕上がっています。この色調は、William Egglestonの色調によく似ています。

70年代初頭は、フィルムのカラー色素がまだ不安定だったため、モノクロ写真が主流だった時代です。

「白黒こそが写真の色だ」とRobert Frankは宣言しました。
「カラー写真は下品だ」とWalker Evans は書いています。

カラー写真は、写真の保存・保管には向かないということで、カラー写真を受け入れることに抵抗が当時はありました。当時の写真は、形式的には記録のためのメディアであり、時には、楽しむためのメディアでもありました。

70年代にカラーフィルムで写真を撮るには、写真家の側にある種の意気込み、リスク、逸脱、信念が必要だったと思います。貧しくても実験をする余裕があるという、ある種の華々しさが必要だったのです。このような社会的地位は、写真家がフレームに収める被写体の選択に影響を与えることになります。

Egglestonの場合は、車や看板、時にはアイドルなどが被写体となりました。彼の最も有名な写真の1つである友人のアパートの「赤い天井」は、The Observer紙が言うように、「何か得体の知れない脅威の感覚」を伴っていました。

当時はまだ、白黒写真が世界を捉え、印刷される方法だった時代です。そして、70年代のニューカラー運動が転機となり、カラーの台頭する10年間への氷山の一角となり、全く新しい世界が生まれたのです。2021年の今、この精神こそが、このFilm Simulationのモデルとなったのです。

歴史と文脈は、私の撮影方法をどのように変えるのでしょうか？
GFX100Sを使った『Hair of Power and Grace』の撮影では、Egglestonが描写したメンフィスの暖かい光を参考にしました。

私はEgglestonが1965年に発表した最初のカラーネガ「Untitled」の少年の写真を思い浮かべました。彼の肌はピンク、オレンジに包まれていて、非常に飽和していました。このスタイルを真似て、タングステンライトを導入することにしました。

熱帯のシンガポールでは、光はほとんどが目障りなほど白いか、5分後の日没後にすぐにグレーに消えてしまいます。撮影には、現代の暖色系LEDの方が便利（かつ涼しい）でしょうが、私は昔ながらの電球がもたらす微妙な違いを信じています。

富士フイルムの色に込められた歴史的な感覚は、私が作品のために一貫したカラービジョンを作り出そうとしているときに、私の喜びと物語を高めてくれました。信じて欲しいのは、様々な照明条件や場所で撮影する場合、一貫性を保つのは難しいことだということです。

新しいフィルムシミュレーションを知るためのもう一つの方法は、画像の編集です。写真を正しく撮るためには、撮影と後処理の両方をマスターしなければなりません。

私自身の仕事では、RAWとJPEGの両方で撮影しています。後処理では、両方のファイルの露出をフレームに合わせて調整し、露出の変化による色調の変化を見ていきます。

また、カメラで撮ったもの（JPEGファイル）と、編集ソフトで撮ったものとでは、色の濃さがどう違うかを比較します。

Nostalgic Negは、富士フイルムにとって新しい色表現ですが、私はまるでカラーパレットを体得し記憶しているような気持ちで、何時間も撮影に没頭してしまいました。それぞれのシミュレーションをマスターして理解するには、その色が異なるISO、異なる色温度でどのように機能するかを視覚的に理解する必要があります。

シャッターを押す前に知っておくことは重要です。なぜなら、カメラの中で描きたい光のタイプを疑ってみることを思い出させてくれるからです。撮る前に写真のイメージを膨らませることができるからです。このような頭を使う作業は、とても楽しいものです。情熱的であるがゆえに、刺激的でもあります。

そして、富士フイルムの各シミュレーションが、現在にまで繋がる歴史的な背景を参照していることも気に入っています。